La semana pasada, el director, productor, pintor y escultor Andrew Levitas habló con el World Socialist Web Site sobre su película dramática Minamata, basada en un guión de Levitas, David K. Kessler, Stephen Deuters y Jason Forman, con Johnny Depp como uno de los productores ejecutivos de la película.

La película está ambientada en los primeros años de la década de 1970 y trata del envenenamiento industrial de las comunidades pesqueras japonesas por parte de la Corporación Chisso y de los decididos esfuerzos del famoso fotoensayista W. Eugene Smith (Johnny Depp) y su esposa Aileen Mioko Smith (Minami Bages) por sacar a la luz este crimen a nivel mundial.

MGM compró los derechos de distribución de Minamata en Estados Unidos a principios de 2019, pero se negó a estrenarla. El jefe de adquisiciones de la compañía, Sam Wollman, dijo a Levitas que 'los problemas personales de Johnny Depp'— es decir, un divorcio complicado con su ex esposa Amber Heard- podrían reflejarse negativamente en MGM y la película sería 'enterrada'.

El 3 de diciembre, Iervolino & Lady Bacardi Entertainment anunció que había comprado los derechos de distribución en Estados Unidos a MGM. La compañía sólo le dio una semana de estreno en salas, a partir del 11 de febrero, en 27 cines estadounidenses, incluyendo sólo dos en la ciudad de Nueva York, con futuros lanzamientos en streaming y DVD que se anunciarán pronto.

Comenzamos la entrevista de la semana pasada, que ha sido editada para mayor claridad y longitud, pidiendo a Levitas que explicara su atracción por la historia de Minamata, la fotografía de Gene Smith y la génesis de la película. El vídeo completo de la entrevista puede verse arriba.

Richard Phillips: Gracias Andrew por Minamata y por tu tiempo hoy.

AL: En primer lugar, gracias a ti y a tus colegas por todo lo que habéis hecho para apoyar la película y difundir la importancia de su historia. Ninguno de nosotros llegó a hacer esta película como una decisión financiera o profesional. Todos nos involucramos porque se trataba de una historia —50 años después de los hechos— que debía ser contada.

Recuerdo haber visto las imágenes de Minamata de Gene Smith cuando tenía unos 10 o 12 años. Mis padres tenían una colección de viejas revistas Life y yo las estaba hojeando y vi 'Tomoko Uemura en su baño' y me sentí muy incómodo.

Me sentí incómodo porque reconocí que debería haberme sentido horrible al ver a esta niña deforme, pero de alguna manera, no lo hice. Me sentí bien e incluso animada. Era realmente complicado a esa edad porque no tenía la conciencia de entender lo que estaba viendo y por qué me sentía así.

Años más tarde, cuando me convertí en artista y reexaminé esta obra y muchas otras, me di cuenta de que se me había quedado grabada porque lo que sentía era correcto. Era una imagen de esperanza y amor, y era compasiva. Era lo mejor de la humanidad reflejado hacia nosotros.

Lo que tiene de especial la obra de Gene es su bondad y su esperanza. Hay una ligereza que realmente parece alejar la oscuridad —los negros de sus fotografías eran tan negros— es el elemento humano de todo ello, y volví a comprometerme con su trabajo. Pero tuvieron que pasar otros 15 años, 30 películas y Dios sabe cuántas exposiciones de arte, libros de poesía y todo lo demás, hasta que sentí que esta historia tenía que volver a salir a la luz.

En primer lugar, no podía creer que 50 años después hubiera víctimas y pacientes en Minamata que siguieran luchando por ser escuchados, por ser reconocidos, por no hablar de ser compensados o ayudados, porque alguien dijera simplemente: sí, te creemos, te entendemos.

En segundo lugar, me preocupaba cada vez más el hecho de que los problemas de contaminación ambiental a los que nos enfrentamos estén tan compartimentados. Por ejemplo, si hay un problema en Australia, es un problema de Australia. Si hay un problema en Nueva Zelanda, es un problema de Nueva Zelanda, o algo en Newark, Nueva Jersey, es un problema de Nueva Jersey, o en Flint, Michigan, es un problema de Michigan, o una plataforma petrolífera en el Golfo de México, es un problema de ellos.

Me di cuenta de que esto tenía que ver con las grandes corporaciones y el gran dinero, y que el sistema estaba preparado para que sólo nos preocupáramos por las cosas de nuestro barrio, y no consideráramos realmente que todo era el mismo problema, básicamente. Así que eso me molestó mucho, y empecé a pensar en qué tipo de película hacer.

No soy un cineasta que haga una película de periodistas cruzados, como Dark Waters o Erin Brockovich, y aunque soy un gran fan de ambas, necesitaba hacer algo que se sintiera completamente universal. Una película que cualquier persona, en cualquier parte del mundo, pudiera ver y sentirse identificada con ella.

En las películas a las que acabo de referirme, y en algunas otras que algunos cineastas se han atrevido a hacer a lo largo de los años, el héroe de esas películas suele ser la persona que descubre la historia, que encuentra el momento Eureka y que, básicamente, atrapa a los malos. A mí eso no me parece relacionable ni una llamada a la acción para los individuos.

Desde el momento en que me enteré, los héroes de esta historia fueron los habitantes de Minamata que rompieron las normas sociales, se levantaron contra viento y marea y exigieron ser escuchados y vistos. Que Smith fuera allí y luego lo llevara al resto del mundo fue increíble.

Esto me permitió entrar a través de la perspectiva de Smith, a través de su ojo, y hacerlo relatable, digerible y, espero, poético, elegante y hermoso. Esto es importante cuando se trata de niños discapacitados y deformes, porque tenemos que mirar estas cosas difíciles, inclinarnos hacia ellas y mirarlas de frente, para poder hacer algo.

En fin, es una respuesta muy larga a su sucinta pregunta.

RP: Jane Evelyn Atwood, una de las fotógrafas que defendió Minamata y pidió su liberación, se refiere a esto. Ella habla de la necesidad de revelar y mostrar imágenes que la gente no quiere mirar, y de la lucha que supone establecer el proceso adecuado para ello.

Es evidente que Gene Smith era un hombre complejo. ¿Fue desalentador desarrollar y retratar con precisión esa complejidad? ¿Qué se le pasó por la cabeza sobre lo que debía evitar y lo que quería revelar?

AL: Pude pasar mucho tiempo con Aileen [Mioko Smith] y me proporcionó muchas ideas muy personales y reveladoras. También visité Minamata y hablé con muchas de las víctimas vivas, pacientes vivos y familiares. Para mí era muy importante contar con su apoyo. La familia de Smith y Kevin Smith, en particular, también me ayudaron bastante, y luego, por supuesto, estaban las familias de Minamata.

Lo más difícil era asegurarme de hacer lo correcto con estas personas, porque sin duda íbamos a reabrir viejas heridas. Iba a ser doloroso para ellos. Ya han vivido bastante, así que tenía que asegurarme de que la película fuera efectiva y correcta para ellos, además de asegurarme de que lo hiciéramos bien al tratar con Smith y su obra.

Gene rodaba fotografía en blanco y negro, pero veía el mundo en color, y era un reto ser capaz de utilizar eso, y luego interpretarlo. Teníamos muchos trucos y herramientas a nuestra disposición, lo que era bastante emocionante.

Tenía que hacer una película que la comunidad sintiera que la representaba adecuadamente, que tuviera su dialecto y que lo hiciera con sensibilidad. Tenía que conectar con el público japonés, lo que significaba tomar decisiones cinematográficas en cuanto a la ubicación de la cámara y la forma de enfocar la narración.

Además, tenía que averiguar cómo mostrar a un profano —alguien que sólo ha cogido un smartphone para hacer fotos— cómo es el proceso, qué se siente. Siendo yo mismo fotógrafo, necesitaba fotografiarlo de tal manera que los fotógrafos dijeran: 'Esto es correcto, así es como se hace'. Me siento muy agradecido de que tantos fotógrafos se hayan acercado y hayan visto eso.

Tuvimos que tener en cuenta que el 99 por ciento del público no ha cogido nunca una cámara de verdad. Esto significó averiguar cómo educar a la gente sobre nuestro lenguaje, el lenguaje de Smith y el lenguaje de la fotografía de una manera sucinta, pero que se sienta elegante y divertida. No puede limitarse a decir: 'Aquí tienes tu lección de fotografía', sino que debe dar una idea de lo que se siente y se ve, de lo que huele, de todo ello.

Al principio de la película, Gene está delante de la cámara y, a medida que avanza la película, se convierte realmente en nuestro ojo y nosotros en el suyo. Hubo muchas cosas que hicimos, y podría pasar horas y horas hablando de ello.

Así que esa parte del reto fue agradable, y pasamos una enorme cantidad de tiempo planeándolo. Pero también queríamos que Gene tuviera una experiencia espiritual y lo que vivía la gente sobre el terreno. Eso fue más difícil porque se trata de actores y sus interpretaciones. Me alegra decir que Aileen, en particular, y otras personas que eran amigas de Gene, se acercaron y quedaron bastante satisfechas con la interpretación de Johnny, con su actuación.

RP: Todos los fotógrafos que entrevisté comentaron sobre su interpretación y la encontraron muy convincente. Varios de ellos habían sido fotógrafos en zonas de guerra y sufrían estrés postraumático. Estaban completamente de acuerdo y lo elogiaron. Es un logro tremendo.

Leo mucho material de relaciones públicas de películas que suele hablar del maravilloso compromiso de los actores, el equipo, etc., pero en el caso de Minamata esto no parecía ser sólo relaciones públicas, sino una realidad. ¿Podría hablar de ello?

AL: Es curioso que diga eso y tiene razón. La mayoría de las cosas que se leen sobre este tipo de películas son una auténtica mierda, disculpe el lenguaje, pero lo son. En esta película, no es que todo el mundo se llevara bien, no era Kumbaya y todo eso, de hecho, había mucho tira y afloja, pero había un compromiso real.

No permití que entrara en el escenario ni una sola persona que no fuera plenamente consciente de lo que estábamos intentando hacer y por qué, y eso incluye a los extras, a los que entrevisté personalmente. Obviamente, no el catering ni los conductores, pero todos los que participaron en la producción de la película fueron evaluados por mí, no sólo por su talento artístico, sino por su compromiso y su comprensión'.

Nos esforzamos mucho por crear un equipo y un entorno totalmente inmersivo. No teníamos paredes extrañas de cartón ni decorados sin techo. Si construíamos algo, lo hacíamos bien, con todos los detalles, para que nuestros artistas -tanto delante como detrás de la cámara- sintieran que entraban en ese entorno real.

Uno de los grandes elogios que me hizo Johnny al principio fue que se sentía como si estuviera viviendo en un documental; que no podía entenderlo, pero que le ayudaba a experimentarlo y vivirlo, y a ser Gene [Smith].

Teníamos un tiempo determinado para rodar esta película y la rodamos en menos de los días previstos. Eso no suele ocurrir en una película como ésta, pero así fue porque no hubo ninguna tontería. La gente estaba allí para hacerlo, y no sólo por amor al juego, que ya de por sí es único, sino por la pasión y el sentimiento de que realmente podíamos cambiar las mentes e inspirar a la gente para que se levantara y se escuchara su voz. Fue increíble.

RP: Hay muchos aspectos diferentes de la producción de los que hablar, pero tengo que mencionar las escenas de protesta. El uso de material de archivo recreado, material de archivo real y la fotografía de Benoît Delhomme [The Scent of Green Papaya (1993), The Proposition (2005), The Boy in the Striped Pajamas (2008), The Free State of Jones (2016), Eternity’s Gate (2018)] fueron maravillosos y completamente convincentes. Estas escenas tenían una tensión real, nada se sentía mal, anticuado o fuera de lugar. ¿Cómo lo ha conseguido?

AL: Gracias por plantear esto. Fue complicado conseguirlo, pero empieza y termina con la idea de que intentamos hacerlo real. Como he dicho, no había nadie en el escenario, incluidos los extras, que no estuviera totalmente inmerso. Les envié documentales para que los vieran y entendieran quiénes eran, qué hacían y por qué estaban allí.

No todo se hizo en el montaje. Era algo que teníamos que hacer el mismo día y ser capaces de rodar con nuestra Bolex [cámara de cine], saber qué material documental teníamos y luego rodarlo en tiempo real'.

Al final de todo, teníamos que hacer un motín, pero no de forma peligrosa, sino que yo me sentaba allí con un micrófono y le contaba a todo el mundo lo que estaba pasando, por qué estábamos allí y qué le había pasado a tu hermana o a tu primo.

Benoît no estaba muy convencido de que fuera a funcionar, pero una vez que dispusimos todo el material, todo sucedió sin problemas. Es un elemento de la película del que todos estamos muy emocionados y orgullosos.

RP: La película tiene muchos momentos sutiles en la relación entre Aileen y Gene. ¿Podría hablar también un poco de ese proceso?

AL: No había forma de condensar todo el material que teníamos en dos horas, así que tuve que priorizar las cosas. Lo más importante era asegurarse de que los elementos principales estuvieran ahí. Qué era lo más importante de su relación, su verdad esencial en ese momento, y cómo podía expresarlo de la forma menos molesta posible. Francamente, su relación no es la historia de la película que quería contar, pero tampoco podía dejarla.

Si estuvieran en la cama haciendo el amor o besándose, estaría fuera de lugar en el contexto de dos horas de la película. Así que tuvimos que ver su relación y abordarla desde el punto de vista de quién es Gene, quién es Eileen y cómo interactúan en este tiempo. ¿Qué es lo suyo? Pasé mucho tiempo con Aileen hablando de ello y siento, y ella siente, que lo hicimos exactamente bien, así que fue bastante satisfactorio.

Estoy seguro de que hay bastantes guionistas y personas del público que habrían clamado por ese gran beso o esa cosa o el tipo de cosa genérica de Hollywood, pero simplemente no encajaba.

RP: En un momento de la película, Gene dice: 'El encubrimiento por parte de la Corporación Chisso va a ser tan importante en la historia como la propia historia'.

Bueno, eso se hizo realidad para ti porque en julio del año pasado publicaste una carta abierta a MGM sobre el hecho de que estaban enterrando la película. ¿Podría hablar de ello?

AL: Siempre que tratas con grandes empresas, y con los que dirigen algunas de ellas, te encuentras con gente a la que realmente no le importa. Pueden retirarse a sus hermosas casas en Italia, o a sus piscinas de Beverly Hills, o conducen sus bonitos coches, y están completamente desconectados de todo el público en general que simplemente lucha por pagar sus facturas, tener una vida feliz, mantenerse sano y pasar el día. Y en Hollywood ciertamente se encuentra gente en esos puestos, que no tienen ningún concepto o conexión con los artistas y no les importa. Es horrible.

No me interesa hablar mucho de ello, ya lo he superado. El caballero con el que tratamos en MGM, si es que se le puede llamar así, no es alguien a quien intentaría arreglar o ayudar a ser mejor persona. En última instancia, ya no es nuestro problema ni nuestro obstáculo, ni alguien a quien me importaría dedicar tiempo para que haga una mayor contribución a la sociedad o viva una vida más plena y positiva.

De lo que me alegro es de que la película esté ahora fuera de esto y, aunque hicieron todo lo posible para perjudicarla, ya sea intencionadamente o no, la película sigue viva y, con suerte, habla a aquellas personas que pueden marcar la diferencia.

Es una película para todos los grupos de edad, pero especialmente para los más jóvenes que no han tenido la oportunidad de participar en un momento como éste, pero que pueden encontrar su voz y darse cuenta de que tienen la capacidad de ser el cambio. Tienen la capacidad de dar un paso adelante, de hacerse oír. Si hay un mensaje en esta película, es que una sola voz puede iniciar un coro, una cerilla puede iniciar un fuego masivo y un guijarro puede iniciar un maremoto.

Participo en muchos paneles que hablan del medio ambiente, de la avaricia de las empresas y de todas estas cosas, y la mayoría de las personas que participan en ellos hablan en términos catastrofistas, se acabó, estamos acabados, nunca vamos a ganar, estamos jodidos y ya hemos pasado el tic-tac del reloj de medianoche. Yo siempre soy el que se sienta ahí y dice: 'Veo una mejora, veo que los jóvenes quieren ser escuchados, que empiezan a comprometerse, pero se les alimenta con muchas noticias falsas, se les alimenta con muchas cosas que no son reales'. Y creo, y ciertamente espero, que si conseguimos que la película tenga suficiente repercusión en Estados Unidos, podremos hablar con esa gente.

RP: La cuestión es que la película se ha estrenado [en Estados Unidos] porque miles de jóvenes que la vieron se metieron en Twitter y en otras redes sociales, y empezaron a agitar el estreno de la película y a contárselo a sus amigos.

Hay un sentimiento masivo entre los jóvenes para cambiar la sociedad. Me di cuenta en una entrevista online de que usted hablaba de la pandemia y de la necesidad de una respuesta global, pero que a la gente se le dice que tiene que vivir con este virus y también vivir con los daños, el medio ambiente y todo lo demás. Desde luego, esa no fue la respuesta de Gene Smith a lo ocurrido en Minamata .

AL: Y no es mi perspectiva. Creo firmemente que podemos cambiar, y creo firmemente que el cambio viene de nuestro interior. No hay que gastar dinero, sino tomar la decisión de vivir de una determinada manera y aportar positividad y una agenda de bondad. Han hecho un trabajo tan bueno para distorsionar el querer vivir una existencia sana y en un mundo libre de contaminación y hacer que de repente se sienta como un cliché.

Es increíble cómo han manipulado eso. Pero es sonreír al vecino y no tirar la basura al suelo. Es cuando compras un par de zapatillas, y si tienes la oportunidad, averiguar qué tipo de empresa ha fabricado esas zapatillas. También es prestar atención a quién se vota.

RP: ¿Y cuál es el próximo proyecto? ¿Cuál es su próxima película?

AL: Hay bastantes, en las que estoy trabajando. Mi proceso consiste en encontrar un tema que me interese, ideas, áreas que quiera explorar y encontrar toda la información posible sobre ello y luego determinar si debe ser una película, una escultura, si debo escribir sobre ello. En estos momentos tengo una pizarra bastante saludable, pero nada que realmente quiera provocar.

Te puedo asegurar que cada vez será un enfoque diferente. No pretendo hacer la misma película una y otra vez o la misma escultura una y otra vez. No voy a gastar mi tiempo y alejarme de mis hijos —las cosas que realmente me gustan— y hacer esos sacrificios que hizo Gene, y la forma en que lo hacen otros artistas, a menos que tenga la posibilidad de ser realmente nutritivo, útil y fortalecedor para la gente. Así que... tendremos que estar atentos, supongo.

RP: Bien y creo que es un buen punto para terminar.

AL: Y Richard, sólo una nota personal. Fueron esas personas en Twitter, todas esas personas que dieron un paso adelante [sobre Minamata] y dijeron algo y fueron escuchadas cada día. Fueron personas como tú las que realmente nos apoyaron y defendieron lo que creían que era correcto.

Yo mismo, y todos los miembros del equipo de rodaje, leímos esos artículos y las entrevistas con los fotógrafos. Significó mucho para nosotros que se sintieran así y que alguien se tomara el tiempo de salir y hacer eso, así que muchas gracias de parte de todo el equipo de realización.

RP: De acuerdo y gracias. Las entrevistas fueron muy educativas porque exploraron todo tipo de elementos en la película. Todos estos fotógrafos podían identificarse con Gene Smith porque lucharon en muchas de las mismas batallas que él libró con los editores.

AL: Si alguna vez quieres hacer una mesa redonda con algunos de ellos, me encantaría hacerla.

RP: Eso sería excelente.

(Artículo publicado originalmente en inglés el 18 de febrero de 2022)